Поп-арт: как из рекламы сделали живопись
Поп-арт взял сюжет там, где живопись его до этого не искала: в рекламе, комиксе и витрине супермаркета. Банка супа, кадр из комикса и упаковка стали предметом большой картины, а вместе с сюжетом пришла и техника массовой печати: ровная заливка, чёрный контур, растровая точка и повтор. Ниже разобрано, как это устроено и как сделать такую работу акрилом.
- Поп-арт берёт готовый массовый образ: рекламу, упаковку, кадр комикса, портрет знаменитости, и переносит его в живопись.
- Техника пришла из типографии: ровная заливка без следа кисти, чёрный контур, растровая точка и открытый печатный цвет.
- Повтор — не украшение, а сам смысл. Один образ, размноженный рядами, говорит о серийности вещей больше любого сюжета.
- Направление началось в Британии в середине 1950-х, а массовым и громким стало в США в 1960-е.
- Акрил подходит идеально: он кроет ровно, быстро сохнет и терпит малярный скотч, без которого чистой границы не получить.
- Чужой логотип или узнаваемый персонаж защищены правом, поэтому для продажи образ берут собственный, а не срисованный.
Что такое поп-арт
Направление, которое сделало сюжетом живописи массовую культуру: рекламу, упаковку, комикс, витрину, фотографию из газеты.
Само название расшифровывается как популярное искусство. Популярное здесь не в смысле «любимое», а в смысле «общедоступное, тиражное, для всех».
До поп-арта живопись искала сюжет либо в природе, либо в человеке, либо в собственном языке. Поп-арт заявил, что окружающий человека мир состоит уже не из этого, а из товаров и картинок, которые их продают.
Вместе с сюжетом пришёл и способ. Если образ взят из печати, то и написан он должен быть как печать: ровная заливка, контур, растровая точка, открытый цвет.
Отсюда главная особенность направления: в работе почти нет следа руки. Мазок, фактура, авторская манера убраны намеренно.
Для практикующего художника поп-арт полезен как школа плоского цвета и чистой границы. Это самая техничная из простых на вид манер.
Когда и где он появился
Дважды и в двух странах, и об этом стоит помнить, потому что версии направления вышли разными.
Первый раз — в Британии середины 1950-х. В Лондоне собралась группа художников, архитекторов и критиков, которая разбирала американскую рекламу и кино как новое явление.
Точкой отсчёта обычно называют коллаж Ричарда Гамильтона 1956 года: комната, собранная из вырезок журнальной рекламы, с накачанным мужчиной и леденцом, на котором написано слово Pop.
Второй раз — в США конца 1950-х и начала 1960-х, уже без всякой связи с британцами. Там направление стало громким, крупным и коммерчески успешным.
Разница между двумя ветвями существенная. Британцы смотрели на американскую массовую культуру со стороны и отчасти с восхищением, американцы жили внутри неё и работали с ней как с воздухом.
Пик направления пришёлся на 1960-е. К 1970-м оно перестало быть новостью, но приёмы разошлись по дизайну и остались там навсегда.
Откуда взялось название
От английского popular art, то есть искусство для всех. Термин закрепился в британском кругу во второй половине 1950-х годов, и его появление связывают с критиком Лоуренсом Эллоуэем.
Изначально словом обозначали не живопись, а саму массовую культуру: рекламу, кино, журналы, дизайн упаковки. Только потом оно перешло к художникам, которые с этим материалом работали.
Слово Pop попало и внутрь работ. В коллаже Гамильтона оно написано на леденце, и это, вероятно, первое появление термина прямо в изображении.
Второй смысл названия — звукоподражательный. Pop по-английски это ещё и хлопок, короткий резкий звук, и он хорошо описывает характер направления.
В русском языке прижилось написание через дефис, поп-арт, и оно осталось стандартным.
Почему художники взяли рекламу
Потому что к середине двадцатого века она стала главным поставщиком образов, и не замечать этого было уже нельзя.
Обычный горожанин видел за день десятки рекламных изображений и ни одной картины. Живопись, продолжавшая писать натюрморты с драпировкой, теряла связь с тем, из чего состоит жизнь.
Была и вторая причина, внутренняя для искусства. К 1950-м годам главным направлением в США был абстрактный экспрессионизм: большие холсты, размашистый жест, разговор о внутреннем.
Молодое поколение устало от этой серьёзности. Поп-арт стал прямой реакцией: вместо личного жеста безличная печать, вместо глубины поверхность, вместо переживания товар.
Третья причина техническая. Художники этого круга часто сами работали в рекламе: оформляли витрины, рисовали билборды, делали иллюстрации для журналов. Материал был им знаком изнутри.
Результат вышел двойственным и таким остался. Поп-арт одновременно и показывает мир товаров, и наслаждается им, и это противоречие направление никогда не разрешало.
Какие признаки у такой работы
Их пять, и они опознаются мгновенно, даже на репродукции размером с ноготь.
Первый: сюжет из массовой культуры. Товар, упаковка, кадр комикса, лицо знаменитости, дорожный знак.
Второй: ровная заливка. Цвет положен без градиента и без следа кисти, как краска в типографии.
Третий: чёрный контур. Он отделяет пятна друг от друга и повторяет печатную обводку комикса.
Четвёртый: растровая точка. Регулярная сетка кружков, имитирующая полиграфический растр.
Пятый: повтор. Один и тот же образ размножен рядами, часто с изменением цвета от клетки к клетке.
Есть и шестой, менее очевидный: крупный масштаб. Обычная вещь пишется больше натуральной величины, и от этого перестаёт быть обычной.
Почему в поп-арте нет мазка
Потому что мазок — след руки конкретного человека, а направление говорило именно о безличном и тиражном.
Видимый мазок несёт сообщение: здесь был художник, он волновался, он выбирал. Всё это ровно то, от чего поп-арт отказывался.
Отсюда техника. Заливка кладётся плоско, границы делаются по трафарету или скотчу, а Уорхол пошёл дальше и перешёл на шелкографию, то есть печать через сетчатый трафарет.
Шелкография решала задачу до конца: она позволяла повторять изображение сколько угодно раз и вообще не касаться холста кистью. Работу могли выполнить помощники.
У приёма есть неожиданное следствие для художника. Когда мазка нет, вся выразительность уходит в границу и в цвет, и любая неровность становится заметной.
Именно поэтому поп-арт технически сложнее, чем кажется. Ровное пятно без разводов получается не с первого раза, и об этом отдельный разговор ниже.
Зачем нужен повтор и серия
Затем, что повтор и есть главное высказывание направления. Один предмет это просто предмет, а тридцать одинаковых предметов — уже разговор о мире, где всё тиражно.
Уорхол написал банки супа одной марки серией из тридцати двух холстов, по числу тогдашних вкусов. По отдельности это изображение банки, вместе — витрина.
Второй ход внутри повтора — изменение цвета. Один и тот же портрет, отпечатанный в разных сочетаниях, показывает, что образ отделился от человека и живёт сам.
Третий ход — намеренный брак. У Уорхола краска в шелкографии сползает, не совпадает с контуром, ложится неровно. Это оставлено специально, потому что напоминает о сбое печатной машины.
Практический вывод для своей работы: ряд из четырёх вариантов почти всегда сильнее одной картинки. И сделать его быстрее, чем кажется, потому что рисунок один.
Приём хорошо работает и в интерьере. Серия из трёх или четырёх небольших холстов держит стену лучше, чем одна работа того же общего размера, а подбор под интерьер становится проще.
Что такое растровая точка
Регулярная сетка мелких кружков, которой типография передаёт полутон. Издалека точки сливаются в ровный цвет, вблизи распадаются на узор.
Приём пришёл из печати комиксов и дешёвых изданий середины века. Там растр был грубым, точки крупными и хорошо различимыми глазом.
Рой Лихтенштейн сделал эту точку своим главным приёмом. Он увеличивал кадр комикса до размера большой картины, и вместе с кадром увеличивался растр.
Смысл хода тонкий. Точка — не изображение предмета, а след способа воспроизведения. Показав её крупно, художник показывает не героя комикса, а саму машину тиража.
Как сделать точку своими руками: перфорированный металлический лист или пластиковая сетка кладётся на холст, краска накатывается валиком через отверстия. Второй способ — трафарет из плотной плёнки.
Третий способ проще всех: круглый тычок или обратный конец кисти по разметке. Он медленнее, но не требует ничего лишнего.
Как устроен цвет в поп-арте
Он открытый, плотный и взят прямо из банки, почти без замесов. Это цвет печатной краски, а не цвет натуры.
Набор обычно короткий: три-четыре цвета плюс чёрный на контур и белый. Больше не нужно, а меньше уже не даёт звучности.
Сочетания строятся на контрасте, а не на согласии. Красный рядом с бирюзовым, жёлтый рядом с фиолетовым, розовый рядом с зелёным. Такие пары в академической живописи считались бы грубыми.
Логика выбора идёт от рекламы: цвет должен остановить взгляд с расстояния. Механика этого разобрана в статье о тёплых и холодных цветах.
Отдельный приём — цвет не по правде. Лицо может быть зелёным, волосы синими, фон розовым. Поскольку образ и так взят из печати, привязка к натуре уже разорвана.
Практический совет по акрилу: держите один и тот же цвет во всех клетках серии. Он свяжет ряд, даже если остальные наборы совершенно разные.
Чем поп-арт отличается от дадаизма
Отношением к тому, что берётся из мира. Дада брал готовый предмет, поп-арт берёт готовый образ.
Родство между ними прямое, и поп-арт нередко называют неодада. Оба направления работают с материалом, который уже существует, а не выдумывают форму заново.
Разница в цели. Дадаисты брали вещь, чтобы разрушить представление об искусстве, поп-арт берёт картинку, чтобы сделать из неё картину, и делает это всерьёз.
Разница в тоне. У дада всегда был скандал и насмешка, у поп-арта тон нейтральный: он показывает и не объясняет, хорошо это или плохо.
Разница в исполнении. Дадаисты клеили и собирали, поп-артисты пишут и печатают, и их работы выглядят гладко и дорого.
Общая линия видна ясно: от дадаизма через готовый предмет к готовому образу, и дальше в дизайн.
Чем британский поп-арт отличался от американского
Дистанцией. Британцы смотрели на массовую культуру снаружи, американцы изнутри.
Британская ветвь была аналитической. Художники и критики собирались, разбирали журнальную рекламу и голливудское кино как явление и обсуждали, что с ними делать искусству.
Отсюда и техника: коллаж, вырезка, соединение разнородных кусков. Британская работа чаще собрана из готового материала, чем написана.
Американская ветвь была прямее и крупнее. Там образ не разбирали, а брали целиком и увеличивали до размера стены.
Ещё одно отличие в предмете интереса. Британцы много занимались американской культурой, то есть чужой и притягательной. Американцы писали своё повседневное: суп, кока-колу, дорожные знаки.
В итоге громкой стала американская версия, а британская осталась в истории как более ранняя и более рассудочная.
Что сделал Энди Уорхол
Довёл идею тиража до конца: убрал из работы руку художника и превратил мастерскую в производство.
До живописи он был успешным коммерческим иллюстратором и знал печатную технологию изнутри. Это объясняет и его выбор приёмов, и уверенность в них.
Главные вещи известны: банки супа одной марки, бутылки колы, портреты знаменитостей, повторённые рядами и напечатанные в разных цветах.
Метод — шелкография по холсту. Фотография переводится в сетчатый трафарет, краска продавливается через сетку, и один кадр повторяется сколько угодно раз.
Мастерскую он назвал «Фабрика», и это не было шуткой: работы делали помощники, а сам он отбирал и подписывал.
Отдельная его находка — серия одинаковых портретов, где меняется только цвет. Она показывает, что тиражный образ живёт отдельно от человека и заменяет его.
Меня зовут Арон Оноре. Ладонь в краске — моё обычное состояние. Буду рад познакомиться с вами на марафоне.
Арон ОнореЧто сделал Рой Лихтенштейн
Взял кадр комикса и написал его как большую картину, вместе со всей полиграфической механикой.
Работы узнаются сразу: крупный кадр, чёрный контур, три или четыре открытых цвета, поле из растровых точек и облачко с репликой.
Известные вещи — сцены воздушного боя и плачущие героини женских комиксов, написанные во всю стену.
Точку он ставил вручную через трафарет, и это отличает его от Уорхола. Там, где Уорхол печатал, Лихтенштейн имитировал печать кистью, добиваясь идеальной регулярности.
Смысл приёма в разрыве масштаба. Кадр, напечатанный на дешёвой бумаге размером в ладонь, перенесён на холст в два метра, и вместе с ним перенесены все следы дешёвой печати.
Для художника здесь важен урок: увеличение само по себе меняет предмет. То, что в маленьком размере было деталью, в большом становится сюжетом.
Кто ещё работал в направлении
Круг был широким, и каждый занял свой участок.
Класс Ольденбург делал мягкие скульптуры бытовых вещей: телефон, вентилятор, кусок торта из ткани, лишённые твёрдости и оттого странные.
Джеймс Розенквист до живописи писал рекламные щиты и перенёс на холст сам их язык: огромные фрагменты предметов, стыкующиеся без перехода.
Том Вессельман соединял живопись с настоящими предметами, вставляя в холст реальный телефон или полку.
Прямыми предшественниками направления считают Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга. Первый писал флаги и мишени, то есть готовые знаки, второй вклеивал в живопись вещи целиком.
В Британии кроме Гамильтона стоит назвать Эдуардо Паолоцци, который собирал коллажи из рекламных вырезок ещё в конце 1940-х, до появления самого термина.
Что поп-арт говорит о потреблении
Ничего определённого, и это сделано намеренно. Направление показывает мир товаров и не выносит ему оценки.
Одни зрители читают эти работы как критику: художник увеличивает банку супа до размера алтарной картины и тем самым высмеивает общество, которое молится вещам.
Другие читают их как восхищение: банка написана любовно, цвет звонкий, форма красивая, никакого осуждения в живописи нет.
Сами художники ответа не давали. Уорхол на прямые вопросы отвечал уклончиво и подчёркивал, что он просто любит суп и рисует то, что любит.
Уклончивость и есть позиция. Направление отказывается быть проповедью и оставляет зрителя один на один с образом, который тот видит каждый день и не замечает.
Практический вывод для своей работы: не объясняйте зрителю, что вы имели в виду. Достаточно выбрать предмет и подать его крупно, остальное он сделает сам.
Как сделать работу в этой манере
Разбив задачу на две части: сначала рисунок, потом печатная имитация. Смешивать их нельзя, иначе получится обычная плоская картинка.
Рисунок делается один раз и переносится на все клетки серии. Проще всего вырезать трафарет из плотной плёнки или картона и обвести по нему.
Способы переноса разобраны отдельно в статье о переносе рисунка на холст, и для серии удобнее всего именно трафарет: он повторяет контур точно.
Дальше идёт заливка. Крупные плоскости — широкой плоской кистью или маленьким валиком, два тонких слоя вместо одного толстого.
Растровая точка, если она нужна, ставится после заливки и до контура.
Контур ведётся последним по сухому. Тонкая круглая синтетика или маркер на водной основе, одна толщина линии на всю работу.
Какой образ брать
Тот, который узнаётся по силуэту и без подписи. Это главное требование, и оно отсекает половину идей.
Хорошо работают: упаковка, бутылка, чашка, лампочка, кроссовок, наушники, фрукт, банка, спичечный коробок, кассета.
Плохо работают: пейзаж, интерьер, сложная фигура в движении. Им нужна глубина, а её здесь нет.
Отдельно про лица. Портрет в этой манере получается, но только если лицо разложено на три-четыре плоских тона заранее, иначе рука начнёт лепить объём.
Свежий ход — предметы своего времени. Банка супа была современной вещью в 1962 году. Сегодня на её месте оказались бы наушники, зарядка или стакан кофе навынос.
Проверка образа простая: нарисуйте его силуэт чёрным пятном и покажите знакомому. Если узнал, образ годится.
Чем и на чём работать
Акрил здесь вне конкуренции, и на то есть четыре причины.
Он кроет ровно и матово, высыхает за десятки минут, не боится наслоения и терпит малярный скотч, который на масле работать не будет.
Цвета лучше брать корпусные и яркие, прямо из тубы. Смешивание здесь скорее вредит: замес гасит звучность. Выбор красок разобран в статье о акриловых красках.
Основа — холст на подрамнике, грунтованный картон или деревянная панель. Панель даже лучше: на жёсткой поверхности скотч отходит чище.
Инструменты: широкая плоская кисть и маленький поролоновый валик для заливок, тонкая круглая синтетика для контура, малярный скотч, линейка, канцелярский нож для трафаретов.
Из дополнительного полезен матовый лак в конце. Он выравнивает разницу блеска между цветами, которая в плоской работе особенно заметна.
Как получить ровную границу без затёков
Одним приёмом, который решает задачу почти полностью: подложкой под скотч.
Затёк случается потому, что краска подтекает под край ленты. Бороться с этим прижиманием бесполезно, микрозазор остаётся всегда.
Правильный порядок такой. Наклейте скотч и прижмите край. Пройдите вдоль края тонким слоем того цвета, который уже лежит под лентой, то есть цвета фона.
Эта подложка затекает в зазор и запечатывает его собственным цветом, а он на фоне не виден. Дайте ей высохнуть.
Теперь кладите основной цвет. Он упрётся в высохшую подложку и под ленту не пройдёт. Граница выйдет как отрезанная.
Снимать скотч лучше, пока краска не высохла до конца, и тянуть его под острым углом к поверхности, а не вверх.
Можно ли брать чужие логотипы и персонажей
Для себя можно, для продажи лучше не стоит, и это не мелочь, а реальный вопрос.
Логотип, упаковка и фирменный шрифт защищены как товарный знак. Персонаж комикса или мультфильма защищён авторским правом, и срок этой защиты долгий.
Классики направления работали в другую эпоху и не всегда без последствий. Тогдашние конфликты вокруг использования чужих изображений известны, и повторять этот опыт незачем.
Рабочее решение простое: придумайте свою упаковку. Свой шрифт, своё название, свои цвета. Приём остаётся ровно тем же, а вопрос снимается целиком.
Второй вариант — предмет без бренда. Лампочка, спичечный коробок, стакан, ключ. Ни один из них никому не принадлежит.
Третий — собственная фотография как основа. Если снимок ваш, вы вправе делать с ним что угодно.
Какие ошибки делают, подражая
Их пять, и первые три касаются техники, а последние две замысла.
Первая: видимый мазок. Кисть оставляет полосы, и вся печатная логика рассыпается. Лечится вторым тонким слоем поперёк первого и валиком вместо кисти.
Вторая: рваная граница. Разобрана выше, решается подложкой под скотч.
Третья: замешанный цвет. Три краски в замесе дают глухой оттенок, а направление держится на открытых. Берите из тубы и не жалейте краски.
Четвёртая: слишком сложный образ. Если предмет не читается силуэтом, никакая техника его не спасёт.
Пятая: одна картинка вместо серии. Поп-арт живёт повтором, и одиночная работа почти всегда выглядит слабее ряда из четырёх.
Шестая ошибка встречается реже, но портит всё: попытка добавить в работу тень или блик. Объём здесь запрещён, светотени нет вовсе.
Что из этого работает сегодня
Практически всё, и в основном за пределами живописи.
Плоский цвет с контуром — язык современной иллюстрации, иконок и веб-графики. Он выигрывает, потому что читается в любом размере.
Серия и вариация лежат в основе визуальной айдентики: один знак в разных цветовых наборах для разных случаев.
Растровая точка вернулась как приём стилизации и обозначает теперь «ретро», хотя изначально означала просто дешёвую печать.
Крупный масштаб обычной вещи ушёл в уличное искусство и в оформление интерьеров, где такая работа держит стену без всякой рамы.
Что устарело, так это шок от самого сюжета. Товар на картине давно никого не удивляет, и сегодня приёмы направления работают как декоративные, а не как заявление.
Чем это полезно практикующему художнику
Тремя навыками, каждый из которых пригодится и вне этой манеры.
Первый: ровная плоскость. Положить большое пятно без разводов и полос сложнее, чем написать этюд, и этот навык нужен в интерьерной живописи, в декоре и в любой работе с фоном.
Второй: чистая граница. Скотч, подложка, трафарет — приёмы, которые выручают везде, где нужен ровный край.
Третий: работа серией. Привычка делать не одну вещь, а ряд вариантов меняет подход к замыслу и заметно ускоряет поиск.
Есть и четвёртая польза, менее очевидная. Поп-арт учит смотреть на обычные предметы как на возможный сюжет, а это самый доступный источник тем.
Начать проще всего с одного предмета в четырёх цветовых наборах на небольшом холсте. За вечер получается законченная вещь.
Что делать дальше: от образа к серии
Сделать пробную серию и посмотреть, что даёт именно повтор.
Первое: возьмите предмет со своей кухни, упростите до контура и напишите четыре раза в разных цветах на одном холсте.
Второе: попробуйте растровую точку хотя бы на одном участке. Даже небольшое поле точек меняет характер работы целиком.
Третье: сделайте свою упаковку. Придумайте название и знак, и работа сразу становится вашей, а не цитатой.
Дальше по этой линии стоит посмотреть соседей: экспрессионизм идёт ровно в противоположную сторону и ставит на жест, а общая карта направлений собрана в путеводителе по стилям.
Совет по технике, который экономит целый вечер. Ровная граница получается не от аккуратности руки, а от порядка действий: наклейте скотч, пройдите вдоль его края тонким слоем цвета фона и дайте высохнуть. Эта подложка запечатывает зазор под лентой собственным цветом, и основная краска под неё уже не пройдёт. Снимайте ленту до полного высыхания и тяните под острым углом. Один лишний слой по краю снимает почти все затёки, из-за которых плоские работы обычно переделывают.
Художник-гиперреалист, создатель технологии «Реалистичное искусство» — тех самых шести шагов, по которым рисуют все ученики академии. Более 6000 м² росписей, около 3000 учеников с 2018 года, 92% из них начинали с нуля. Первые шаги показывает бесплатно — на марафоне. Об Ароне
Канал в MAXЧастые вопросы
Что такое поп-арт?
Направление, сделавшее сюжетом живописи массовую культуру: рекламу, упаковку, комикс, портрет знаменитости. Вместе с сюжетом оно взяло и язык печати: ровную заливку, чёрный контур, растровую точку и повтор.
Когда и где появился поп-арт?
Дважды: в Британии середины 1950-х, где точкой отсчёта считают коллаж Ричарда Гамильтона 1956 года, и независимо в США на рубеже 1950-х и 1960-х, где направление стало громким и массовым.
Откуда взялось название «поп-арт»?
От английского popular art, то есть общедоступное искусство. Термин закрепился в британском кругу во второй половине 1950-х, и его появление связывают с критиком Лоуренсом Эллоуэем.
Какие признаки у работы в стиле поп-арт?
Сюжет из массовой культуры, ровная заливка без следа кисти, чёрный контур, растровая точка, повтор одного образа рядами и крупный масштаб обычной вещи.
Почему в поп-арте нет видимого мазка?
Мазок — след руки конкретного человека, а направление говорило о безличном и тиражном. Поэтому цвет кладут плоско, границы делают по скотчу и трафарету, а Уорхол перешёл на шелкографию и вовсе перестал касаться холста кистью.
Что такое растровая точка в поп-арте?
Регулярная сетка мелких кружков, которой типография передаёт полутон. Рой Лихтенштейн увеличивал кадр комикса до размера картины вместе с растром, показывая тем самым не героя, а сам способ тиража.
Как сделать картину в стиле поп-арт?
Выбрать узнаваемый предмет, упростить его до контура и трёх пятен, увеличить, разбить холст на равные клетки, залить каждую своим набором открытых цветов по скотчу и провести чёрный контур последним по сухому.
Какие краски подходят для поп-арта?
Акрил: он кроет ровно и матово, быстро сохнет, терпит наслоение и держит малярный скотч. Цвета берут корпусные и яркие прямо из тубы, потому что замес из нескольких красок гасит звучность.
Как получить ровную границу между цветами?
Наклеить малярный скотч, пройти вдоль его края тонким слоем цвета фона и дать высохнуть. Подложка запечатывает зазор под лентой, и основной цвет под неё не подтекает. Ленту снимают до полного высыхания под острым углом.
Можно ли использовать чужие логотипы в своих работах?
Для себя можно, для продажи лучше не стоит: логотип защищён как товарный знак, а персонаж комикса авторским правом. Рабочее решение — придумать собственную упаковку или взять предмет без бренда.
Читайте также
