Рококо: лёгкость, пастель и мелкая деталь
Рококо появилось сразу после барокко и перевернуло его во всём, кроме сложности линии. Вместо тёмного фона светлый, вместо драмы игра, вместо храмовой картины небольшое панно над дверью. Живопись стала лёгкой, розово-голубой и подробной, а сюжетом сделались парк, музыка и флирт. Ниже разобрано, как устроена такая картина и как собрать её гамму акрилом.
- Рококо — барокко без веса: та же сложная линия и то же движение, но светлые тона, малый формат и никакой драмы.
- Палитра разбелённая: бледно-розовый, голубой, салатовый, кремовый, серебристо-серый. Глубокой тени в такой картине нет вовсе.
- Главная линия извилистая, S-образная, асимметричная. Она пришла из орнамента с раковиной, от которого стиль и получил имя.
- Сюжет лёгкий: парк, качели, музыка, маскарад, пастушеская сцена. Ни морали, ни поучения в нём нет намеренно.
- Главная опасность гаммы — мутность. Разбелённые цвета быстро становятся меловыми, и спасает их один чистый акцент.
- Живопись этого времени работала как часть интерьера: панно над дверью, роспись плафона, ширма, веер, а не отдельная картина в раме.
Что такое рококо
Направление первой половины восемнадцатого века, в котором живопись стала светлой, небольшой, подробной и намеренно несерьёзной.
Оно выросло прямо из барокко и унаследовало от него сложное движение и любовь к богатой поверхности. Всё остальное поменялось на противоположное.
Вместо тёмного фона светлый. Вместо глубокой тени разбелённый полутон. Вместо большого храмового холста панно над дверью. Вместо драмы игра.
Сменился и сюжет. Ушли жития святых и битвы, пришли парк, качели, музыка, маскарад, пастушеская сцена и разговор двоих под деревом.
Направление было французским по происхождению и придворным по адресу. Оно жило в небольших комнатах особняков, а не в залах и соборах.
Для практикующего художника рококо интересно прежде всего как школа разбелённого цвета. Ни одна другая эпоха не работала в такой узкой светлой полосе тона.
Когда и где оно появилось
Во Франции около 1715 года, и точка отсчёта здесь необычно ясная для истории искусства.
В этот год умер Людовик Четырнадцатый, при котором придворное искусство было торжественным, крупным и строго регламентированным.
Двор сразу после этого переехал из Версаля в Париж, и жизнь знати переместилась из огромных парадных залов в городские особняки с небольшими комнатами.
Смена масштаба помещения потянула за собой смену масштаба живописи. Картина уменьшилась, посветлела и стала частью убранства комнаты, а не отдельным событием.
Из Франции стиль разошёлся по Европе: в Германию, Австрию, Италию, отчасти в Россию. В Венеции он дал свою версию с огромными светлыми плафонами.
Закончилось всё к 1760-м годам, когда на смену пришёл классицизм с его строгостью и гражданскими сюжетами.
Откуда взялось название
От французского слова rocaille, которым называли декоративный мотив из раковин и мелких камней, украшавший садовые гроты и фонтаны.
Мотив был извилистым, асимметричным и не имел ни начала, ни конца. Именно эту линию стиль взял себе за основу и перенёс на всё: на мебель, на раму, на орнамент, на композицию картины.
Как и в случае с барокко, слово появилось задним числом и было упрёком. Его пустили в оборот в начале девятнадцатого века, когда стиль казался пустым и манерным.
Сами современники называли эту манеру просто современным вкусом или новым стилем. Термина у неё при жизни не было.
Отрицательный оттенок в русском языке отчасти сохранился до сих пор: слово нередко употребляют как синоним избыточной красивости.
Почему живопись стала лёгкой
Потому что у неё сменился заказчик, помещение и задача, и все три перемены шли в одну сторону.
Заказчик перестал быть церковью и короной. Картину заказывал частный человек для своего дома, и она была нужна ему не для потрясения, а для удовольствия.
Помещение стало маленьким. В комнате три на четыре метра картина в два метра просто не работает, а торжественный сюжет в ней выглядит нелепо.
Задача сменилась вслед за этим. От живописи стали ждать приятности, остроумия и подробности, которую можно рассматривать вблизи.
Сыграла роль и общая перемена тона эпохи. После долгого и строгого царствования наступило время, когда лёгкость стала цениться выше значительности.
Результат оказался двойственным. Живопись потеряла в весе, но выиграла в наблюдательности: рококо разглядело обычную человеческую жизнь ближе, чем предыдущий век.
Какие признаки у картины рококо
Их шесть, и первый опознаётся быстрее всех.
Первый: светлота. Вся картина укладывается в верхнюю половину тонового ряда, глубокого тёмного места в ней нет.
Второй: разбелённый цвет. Розовый, голубой, салатовый, кремовый, серебристый; каждый замешан с белилами.
Третий: извилистая линия. Складки, ветви, ленты и позы фигур идут волной, а не прямой.
Четвёртый: асимметрия. Центр смещён, равновесие держится не зеркальностью, а балансом разных по весу частей.
Пятый: мелкая подробность. Кружево, узор ткани, листва, лепестки написаны тонкой кистью и рассчитаны на рассматривание вблизи.
Шестой: лёгкий сюжет. Ни морали, ни поучения, ни трагедии. Люди отдыхают, играют, разговаривают, гуляют.
Как устроена палитра рококо
Она вся построена на белилах, и это главное её отличие от любой другой эпохи.
Основные цвета: бледно-розовый, нежно-голубой, светло-салатовый, кремовый, жемчужно-серый и цвет слоновой кости. Все они получены добавлением белил к чистому цвету.
Тени в такой системе тоже светлые. Самое тёмное место картины остаётся серым или розовато-серым и никогда не уходит в темноту.
Держится гамма на двух вещах. Первая — общая теплота: даже голубой в ней слегка сдвинут к тёплой стороне, чтобы не выглядеть холодным.
Вторая — акцент. Одно небольшое пятно чистого неразбелённого цвета, обычно красное или синее, ставится в важном месте и заставляет всю бледную гамму зазвучать.
Без такого акцента разбелённые цвета быстро становятся вялыми. Соотношение простое: чем светлее вся работа, тем нужнее в ней одна сильная точка.
Как получить разбелённый цвет без мутности
Соблюдая одно правило: не больше трёх красок в замесе, считая белила.
Мутность появляется не от белил, а от количества участников. Четыре краски в одной куче почти всегда дают серо-коричневую кашу независимо от того, какие они.
Рабочая схема такая: белила плюс один цвет дают чистый пастельный тон, белила плюс два цвета дают сложный, но ещё живой. Дальше начинается грязь.
Вторая причина мутности — механическая. Если размешивать краску до полной однородности, теряется внутреннее движение цвета. Лёгкая недомешанность оставляет пятно живым.
Третья: грязная вода и грязная кисть. В светлой гамме след предыдущего цвета виден мгновенно, поэтому вода меняется чаще обычного.
Отдельный приём для оживления: положите два соседних пастельных тона рядом, не смешивая, и дайте им соприкоснуться только по краю. Издалека они смешаются в глазу и останутся чистыми. Основы этого разобраны в статье о смешивании красок.
Какие шесть красок нужны для этой гаммы
Шести хватает на всю эпоху, и седьмая уже начинает мешать.
Список такой: белила, краплак или другой холодный красный, ультрамарин, изумрудная зелёная, охра светлая и умбра натуральная.
Белил уходит больше, чем всех остальных вместе, поэтому их берут в большой тубе. На них строится каждый замес без исключения.
Холодный красный нужен для розового: тёплая киноварь с белилами даёт не розовый, а телесно-персиковый, и в этой гамме он выглядит чужим.
Ультрамарин с белилами даёт голубой, изумрудная с белилами и каплей охры даёт светло-салатовый, охра с белилами даёт кремовый.
Умбра нужна не для тени, а для приглушения. Капля её в любом пастельном замесе снимает конфетную яркость и делает цвет благороднее.
Шестая краска на выбор идёт под акцент: чистый неразбелённый цвет, который ставится в одном месте. Чаще всего это тот же краплак или ультрамарин, но взятый из тюбика.
Разложите все пять замесов на палитре до первого мазка. Замешивать по ходу работы означает каждый раз получать чуть другой оттенок, и лист расползётся по цвету.
Зачем нужна извилистая линия
Затем, что она даёт движение без напряжения. Диагональ барокко несёт силу и падение, мягкая волна несёт течение и покой.
Линия эта пришла из орнамента с раковиной и была для эпохи главным формальным принципом. Её называют S-образной или волнистой, и она встречается в стиле повсюду.
В картине она задаёт основное движение. Взгляд идёт не по прямой к центру, а плавно перетекает от одной группы к другой.
Она же работает внутри отдельных форм. Складки платья, изгиб ветви, поза фигуры, край облака построены по той же волне.
Важное следствие: в такой композиции нет резких углов и вертикалей. Прямая линия ствола или колонны, поставленная в центр, ломает всю систему.
Проверить композицию просто. Проведите пальцем по главному движению работы: если рука идёт плавной волной без остановок, линия найдена. Общие правила построения кадра собраны в статье о композиции.
Почему формат небольшой
Потому что живопись эпохи предназначалась для маленькой комнаты и рассматривания вблизи, а не с расстояния в десять шагов.
Барочная картина рассчитана на дистанцию. Крупные массы света и тени работают издалека, а вблизи мазок распадается.
Рококо рассчитано наоборот. Зритель стоит на расстоянии вытянутой руки и разглядывает узор на ткани, листву, отдельные лепестки.
Отсюда и техника: мелкая кисть, тонкий слой, точная деталь. Размашистый мазок здесь не работает, потому что его увидят слишком близко.
Популярным был овальный формат и формат, вписанный в декоративную раму сложной формы. Прямоугольник со строгими углами противоречил бы самой идее стиля.
Практический вывод для своей работы: если пишете в этой манере, берите тридцать на сорок или меньше. На большом холсте рококо превращается в пустоту.
Что такое галантный жанр
Основной сюжетный тип эпохи: небольшая сцена, где нарядно одетые люди отдыхают на природе, музицируют, разговаривают или ухаживают друг за другом.
Французское название — fête galante, галантное празднество. Его придумали для одного художника, Антуана Ватто, потому что существующие категории живописи ему не подходили.
Устроен жанр так: парк или опушка, небольшая группа фигур, никакого действия в привычном смысле, никакого сюжета, который можно было бы пересказать.
Отсутствие сюжета здесь не недостаток, а суть. Картина передаёт настроение, а не рассказывает историю, и в этом она опередила своё время лет на полтораста.
Рядом с галантным жанром жила пастораль: условная деревенская сцена с пастухами и пастушками, которые никогда не работали и выглядели как придворные в костюмах.
Третий постоянный сюжет — мифология в лёгком ключе. Античные боги в этой живописи занимаются ровно тем же, чем персонажи галантных сцен.
Что сделал Ватто
Создал галантный жанр и внёс в лёгкую живопись то, чего в ней по определению быть не должно: грусть.
Антуан Ватто прожил недолго и умер в тридцать шесть лет. Его вещи небольшие, тонкие по цвету и построены на переливах, а не на контрастах.
Самая известная работа изображает отправление или возвращение с острова, посвящённого богине любви. Группы фигур растянуты по холсту цепочкой, и каждая пара находится на своей стадии разговора.
Особенность его живописи в двойном дне. Внешне это праздник, а по сути прощание: свет вечерний, движение уводит из кадра, лица задумчивы.
Технически он работал тонкими слоями по светлой основе и много рисовал с натуры, накапливая альбомы набросков, из которых потом собирал композиции.
Этот метод стоит перенять целиком. Отдельные фигуры и жесты собираются с натуры заранее, а картина складывается из них уже в мастерской. Про сам навык быстрого рисования есть статья о скетчинге.
Что сделал Буше
Довёл стиль до его чистого выражения и стал его главным именем, а заодно и главной мишенью для критики.
Франсуа Буше работал много и во всех жанрах сразу: картины, панно, эскизы для шпалер, декорации, книжная иллюстрация. Он был придворным живописцем и определял вкус эпохи.
Его гамма узнаётся мгновенно: розовое с голубым, кремовое с бледно-зелёным, много белил, ровный рассеянный свет.
Сюжеты у него мифологические и пасторальные, но условные до предела. Ни одна из его пастушек не имеет отношения к настоящей деревне, и это никого не смущало.
Композиции построены по спирали и волне, фигуры разворачиваются мягкими изгибами, ткани текут. Прямых линий у него почти нет вовсе.
Именно за условность его и ругали. Философы следующего поколения писали, что в его живописи нет ни правды, ни природы, а есть только приятность.
Это я пишу Венецию прямо на стене. Когда-то и представить не мог, что так смогу. Приходите — начнём с вашей первой картины.
Арон ОнореЧто сделал Фрагонар
Добавил стилю скорость. Его живопись написана заметно свободнее и быстрее, чем у предшественников.
Жан-Оноре Фрагонар был последним крупным мастером эпохи и работал уже тогда, когда вкус начал меняться.
Самая известная его вещь — сцена с качелями в парке: девушка взлетает вверх, туфелька слетает с ноги, вся композиция построена по крутой диагонали внутри пышной листвы.
Его мазок подвижный и видимый, особенно в листве и тканях. Там, где Буше выглаживал, Фрагонар оставлял след кисти.
Отдельно стоят его быстрые портреты, написанные, по преданию, за час каждый. Они и выглядят как этюд, доведённый до законченности.
Судьба его показательна для конца эпохи: после смены вкуса на строгий античный стиль он почти перестал получать заказы и закончил жизнь в забвении.
Какие ещё имена стоит знать
Четыре, и два из них показывают, что эпоха была не только про лёгкость.
Джованни Баттиста Тьеполо в Венеции: огромные светлые плафоны с фигурами, летящими в бледно-голубом небе. Это рококо в монументальном варианте.
Морис Кантен де Латур: портретист, работавший сухой пастелью и достигший в ней невероятной точности. Сама техника пастели пережила в это время расцвет, и разбор её есть в статье о том, как рисовать пастелью.
Жан-Батист Симеон Шарден: современник Буше, работавший в противоположном направлении. Его натюрморты и бытовые сцены тихие, плотные и совершенно не декоративные.
Элизабет Виже-Лебрён: работала уже на границе эпох и соединила лёгкость рококо с новой естественностью портрета.
Шарден здесь особенно важен как напоминание: внутри любой эпохи всегда есть художник, работающий поперёк неё. Его вещи стали образцом для бытового жанра следующего столетия.
Чем рококо отличается от барокко
Пятью вещами, при почти одинаковой сложности линии.
Тон. Барокко строится на глубокой тени, рококо на разбелённом полутоне. Самое тёмное место у одного чёрное, у другого светло-серое.
Размер. Барочная картина большая и рассчитана на зал, рококо небольшое и рассчитано на комнату.
Сюжет. У барокко событие с кульминацией, у рококо сцена без действия.
Тон высказывания. Барокко серьёзно и рассчитано на потрясение, рококо иронично и рассчитано на удовольствие.
Движение. У обоих оно есть, но у барокко это резкая диагональ, а у рококо мягкая волна. Разбор первого есть в статье о барокко.
Почему рококо ругали
За отсутствие содержания, и упрёк этот звучал уже при жизни стиля.
Просветители второй половины восемнадцатого века требовали от искусства пользы: живопись, по их мнению, должна воспитывать и показывать добродетель.
Рококо не делало ни того, ни другого. Оно показывало приятную жизнь приятных людей и не давало никакого урока.
Второй упрёк был в неправде. Пастушки в шёлке и мифологические сцены, где боги ведут себя как придворные, выглядели фальшиво даже для современников.
Третий — в декоративности. Живопись стала частью убранства и перестала быть самостоятельным высказыванием.
Реакция пришла быстро и жёстко. Классицизм сознательно построил себя как отрицание рококо: прямая линия вместо волны, чистый цвет вместо пастели, гражданский сюжет вместо флирта.
Как написать работу в этой манере
Начав с палитры, а не с рисунка. В этой системе цвет определяет всё остальное.
Первое: замешайте пять пастельных тонов до начала работы и выложите их отдельными кучками. Розовый, голубой, салатовый, кремовый, серый. Каждый на белилах.
Второе: возьмите небольшой формат и светлый грунт. Тёмная основа здесь работать не будет.
Третье: постройте композицию волной, со смещённым центром, без вертикалей в главных местах.
Четвёртое: пишите ровным светом. Тень намечается тем же пастельным тоном с добавлением серого, а не тёмной краской.
Пятое: оставьте одно место под чистый цвет и не трогайте его до конца работы.
Шестое: пропишите деталь тонкой кистью по высохшему слою. Именно она даёт стилю его характер.
Чем и на чём работать
Акрил подходит хорошо, а в одном отношении даже лучше исторического материала.
Преимущество в том, что он не желтеет. Масляные белила со временем меняют тон, и светлые работы восемнадцатого века сегодня выглядят теплее, чем были задуманы.
Белил нужно много, поэтому берите большую тубу. В этой гамме они расходуются быстрее всех остальных красок вместе.
Качество белил здесь важнее обычного. Дешёвые дают меловую поверхность и убивают все замесы. Разбор выбора есть в статье о хороших акриловых красках.
Основа: мелкозернистый холст, грунтованный картон или гладкая панель. Крупное зерно мешает мелкой детали.
Кисти: одна средняя плоская на общие места и две тонкие круглые на детали, размер ноль и единица.
Из дополнительного пригодится замедлитель высыхания. Пастельные переходы набираются мягко, а быстро сохнущий акрил этому мешает.
Как писать мелкую деталь
По правилу, которое экономит половину времени: деталь пишется не везде, а в двух-трёх местах.
Кажется, что в такой живописи прописано всё. На самом деле нет: подробно сделаны главные участки, а остальное лишь намечено и работает как фон.
Порядок такой. Сначала вся работа доводится до общего состояния тонкими слоями. Только потом выбираются места, которые получат подробность.
Деталь ставится по сухому слою и тонкой кистью с достаточно жидкой краской. Густая на мелкой кисти собирается комком и не даёт линии.
Хороший приём для узора ткани: не выписывайте орнамент целиком, а поставьте его точно в двух местах и растворите к краям. Глаз достроит остальное сам.
Второй приём: держите деталь светлее фона, на котором она лежит. Тёмная мелкая линия на светлом поле выглядит грубо и разрушает воздушность.
Как рококо жило в интерьере
Не как картина на стене, а как часть самой стены, и это отличает эпоху от почти всех остальных.
Основной формат был встроенным. Панно над дверью, вставка в стенную панель, роспись плафона, вставка в мебель.
Отсюда следовало важное требование: живопись не должна была спорить с помещением. Она держала общую светлоту комнаты и продолжала её орнамент.
Сюда же относятся расписные веера, ширмы, крышки табакерок и фарфор. Одни и те же мастера делали и живопись, и эти вещи.
Практический смысл для сегодняшнего дня прямой. Светлая работа в пастельной гамме до сих пор остаётся самым безопасным выбором для небольшой комнаты: она добавляет цвет и не утяжеляет пространство.
Как это учитывать при выборе, разобрано в статье о том, как подобрать картину под интерьер.
Какие ошибки делают, подражая
Их пять, и первая встречается почти у всех, кто берётся за эту гамму впервые.
Первая: мутный цвет. Появляется от четырёх красок в замесе и от грязной воды. Лечится коротким замесом и частой сменой воды.
Вторая: отсутствие акцента. Если вся работа в полтона и ни одного чистого цвета в ней нет, она выглядит выцветшей.
Третья: тёмная тень. Одно тёмное пятно в такой гамме читается как дыра и рушит всю систему.
Четвёртая: слишком большой формат. Рококо на метровом холсте становится пустым, потому что подробность теряется, а массы работать не начинают.
Пятая: подробность везде. Если прописано всё, глазу негде отдохнуть, и картина выглядит пёстрой, а не изящной.
Шестая, редкая, но заметная: жёсткая прямая линия в главном месте. Одна вертикаль в центре, и волна перестаёт читаться.
Что из этого работает сегодня
Гамма и масштаб, а вот сюжет и тон эпохи не пережили.
Пастельная палитра вернулась в дизайн и держится там прочно: интерьеры, упаковка, графика, оформление. Она читается как мягкая и дружелюбная.
Небольшой формат и рассматривание вблизи стали нормой для современной камерной живописи, которая живёт в квартире, а не в зале.
Асимметричная композиция со смещённым центром прижилась везде, от фотографии до вёрстки.
Мелкая деталь как удовольствие вернулась через иллюстрацию и через ботаническую живопись, где подробность и есть смысл работы.
Что не работает, так это условная пастораль и галантный сюжет. Сегодня они читаются как открытка, и повторять их напрямую смысла нет.
Чем это полезно практикующему художнику
Тремя навыками, которые редко тренируют отдельно.
Первый: работа в узком тоновом диапазоне. Написать картину, где всё светлое и при этом различимое, сложнее, чем построить сильный контраст. Это точная настройка глаза.
Второй: чистый разбелённый цвет. Умение получать пастельный тон, который не выглядит меловым, пригодится в портрете, в пейзаже и в любой светлой работе.
Третий: дозирование подробности. Понимание того, где деталь нужна, а где мешает, приходит именно из такой работы.
Есть и четвёртая польза. Светлая небольшая вещь пишется быстро и почти всегда находит своё место в комнате, так что это ещё и практичный формат.
Начать проще всего с натюрморта из двух светлых предметов на светлом фоне. Задача звучит скучно, а на деле разбирает глаз лучше любого контрастного этюда.
Что делать дальше: от пастели к своей работе
Проверить гамму на маленькой вещи и посмотреть, как она себя ведёт.
Первое: напишите натюрморт, в котором нет ни одного тёмного пятна. Только светлые тона и один чистый акцент.
Второе: попробуйте овальный формат. Он сам собой убирает углы и подталкивает композицию к волне.
Третье: возьмите обычный современный сюжет и напишите его в этой гамме. Кухонное окно или полка с посудой в пастели выглядят неожиданно свежо.
Дальше по этой линии стоит посмотреть, что было после: классицизм построил себя как прямое отрицание рококо, а общая карта направлений собрана в путеводителе по стилям.
Совет по цвету, который выручает далеко за пределами этой манеры. Держите в замесе не больше трёх красок, считая белила. Мутность в светлой гамме появляется не от количества белил, а от количества участников: четыре краски в одной куче почти всегда дают серую кашу, какими бы они ни были. И не размешивайте до полной однородности: лёгкая неоднородность оставляет пятно живым, а вымешанный до гладкости замес выглядит мёртвым уже на палитре.
Художник-гиперреалист, создатель технологии «Реалистичное искусство» — тех самых шести шагов, по которым рисуют все ученики академии. Более 6000 м² росписей, около 3000 учеников с 2018 года, 92% из них начинали с нуля. Первые шаги показывает бесплатно — на марафоне. Об Ароне
Канал в MAXЧастые вопросы
Что такое рококо в живописи?
Направление первой половины восемнадцатого века, в котором картина стала светлой, небольшой, подробной и намеренно несерьёзной. Оно выросло из барокко, сохранив сложное движение и поменяв на противоположное всё остальное.
Когда и где появилось рококо?
Во Франции около 1715 года, после смерти Людовика Четырнадцатого, когда жизнь знати переместилась из парадных версальских залов в небольшие городские особняки. Стиль продержался примерно до 1760-х годов.
Откуда взялось слово «рококо»?
От французского rocaille, то есть декоративного мотива из раковин и мелких камней, украшавшего садовые гроты. Мотив был извилистым и асимметричным, и эту линию стиль сделал своей основой.
Какая палитра у рококо?
Разбелённая: бледно-розовый, нежно-голубой, светло-салатовый, кремовый, жемчужно-серый. Все цвета замешаны с белилами, а самое тёмное место картины остаётся светло-серым.
Как получить пастельный цвет, чтобы он не был мутным?
Держать в замесе не больше трёх красок, считая белила, не размешивать до полной однородности и чаще менять воду. Мутность появляется от количества участников замеса, а не от белил.
Кто главные художники рококо?
Антуан Ватто, создавший галантный жанр, Франсуа Буше, доведший стиль до чистого выражения, и Жан-Оноре Фрагонар, добавивший ему скорости. В Венеции это Джованни Баттиста Тьеполо с его светлыми плафонами.
Что такое галантный жанр?
Основной сюжетный тип эпохи: небольшая сцена, где нарядно одетые люди отдыхают в парке, музицируют или разговаривают. Пересказуемого сюжета в ней нет, картина передаёт настроение, а не историю.
Чем рококо отличается от барокко?
Тоном, размером и настроением. Барокко строится на глубокой тени, рококо на разбелённом полутоне; барочная картина большая и серьёзная, рококо небольшое и ироничное; у барокко резкая диагональ, у рококо мягкая волна.
Почему рококо критиковали?
За отсутствие содержания. Просветители требовали от искусства пользы, а рококо показывало приятную жизнь приятных людей без всякого урока. Классицизм построил себя как прямое отрицание этого стиля.
Какой формат брать для работы в этой манере?
Небольшой: тридцать на сорок или меньше, хорошо работает овал. Стиль рассчитан на рассматривание вблизи, и на большом холсте он становится пустым, потому что деталь теряется, а крупные массы не работают.
Читайте также
