Как найти свой стиль в рисовании
Стиль не находят отдельно от работы. Он складывается сам из того, что вы выбираете рисовать, какими цветами пользуетесь, как кладёте мазок и как строите кадр. Заметить его изнутри почти невозможно, потому что свои решения кажутся единственно возможными. Зато он хорошо виден со стороны, когда рядом лежат двадцать работ и в них проступают повторы.
- Стиль это сумма повторяющихся решений, а не придуманная заранее манера. Его замечают, а не изобретают.
- Складывается он из четырёх вещей: что вы выбираете рисовать, какая у вас палитра, какой мазок и как вы строите кадр.
- Подражание на старте нормально и даже полезно. Опасно другое: менять образец каждую неделю, тогда своё не успевает проступить.
- Быстрее всего стиль проявляется в серии: пять или десять работ на одну тему с одними ограничениями.
- Увидеть своё изнутри тяжело. Работает раскладка: положить рядом двадцать работ и найти то, что повторяется во всех.
- Стиль не обязателен тому, кто рисует для себя. Он нужен там, где работы показывают и продают, и там же он мешает, если превращается в самоповтор.
Что такое стиль в рисовании
Стиль это устойчивый набор решений, которые художник принимает раз за разом. Не одно эффектное приёмное решение, а именно повторяемость: одни и те же сюжеты, похожая палитра, узнаваемый мазок, привычный способ строить кадр.
Из этого следует важная вещь. Стиль нельзя придумать заранее и потом ему следовать. Он проявляется задним числом, когда работ становится достаточно, чтобы повторы стали заметны.
Второе следствие: стиль есть у всех, кто рисует регулярно, даже у тех, кто его не искал. Просто он ещё не назван и не осознан.
И третье: стиль не равен технике. Двое могут писать одним и тем же акрилом мастихином, а работы будут узнаваемо разными, потому что различаются сюжеты, цвет и композиция.
Из чего складывается стиль
Из четырёх вещей, и каждую из них можно рассмотреть отдельно.
Сюжет: что вы вообще выбираете рисовать. Один тянется к воде и отражениям, другой к окнам и лестницам, третий к людям в движении. Это самый заметный слой стиля и обычно самый устойчивый.
Палитра: какими цветами вы пользуетесь и, что важнее, какими не пользуетесь. Художник, который избегает чистого чёрного и всегда добавляет в тень синий, узнаётся по этому сразу.
Мазок: как физически лежит краска. Гладко или пастозно, длинными движениями или короткими тычками, мягкой кистью или щетиной. Это самый телесный слой, и он меняется медленнее всего.
Композиция: как вы строите кадр. Кто-то всегда даёт много воздуха, кто-то режет объект краем, кто-то ставит горизонт низко. Такие привычки проявляются раньше, чем их замечают.
Есть и пятое, о чём говорят реже: степень завершённости. Один доводит работу до последней детали, другой останавливается на стадии, где всё ещё видны первые пятна. Это тоже стиль, и часто самая узнаваемая его часть.
Когда стиль появляется
Примерно тогда, когда набирается два-три десятка законченных работ, сделанных в сопоставимых условиях. До этого материала для сравнения просто нет.
Считать стоит именно законченные работы, а не время. Человек, написавший двадцать этюдов за месяц, увидит своё раньше того, кто написал пять за год.
Обычно последовательность такая. Сначала работы похожи на образцы, которым человек подражает. Потом появляется техническая уверенность, и работы становятся нейтральными и похожими друг на друга. И только после этого начинают проступать повторы, которые уже никому не принадлежат, кроме автора.
Заметить этот момент изнутри почти невозможно. Почти всегда о нём сообщает кто-то посторонний фразой вроде «у тебя всегда такой свет» или «я узнаю твои работы».
Какие ошибки мешают его найти
Три, и все три выглядят как работа над стилем, но никуда не ведут.
Первый: повторять чужое и ждать, что своё появится само. Копирование полезно как учебное упражнение, но если оно единственный вид работы, повторяться начинают чужие решения, а не ваши.
Второй: менять технику каждую неделю. Сегодня акварель, завтра масло, послезавтра линер и коллаж. При таком темпе ни одна манера не успевает стать привычной, и повторам неоткуда взяться.
Третий: ждать озарения и не работать. Идея стиля как внезапного открытия популярна, но на практике стиль не приходит к пустому холсту. Он собирается из уже сделанного.
Есть и четвёртая ошибка, более тонкая: пытаться быть непохожим. Работа, сделанная с целью отличаться, обычно выглядит вымученной, потому что решения в ней выбраны не по удобству, а по чужой шкале.
Можно ли начинать с подражания
Можно и нужно. Через подражание проходили практически все, и ничего плохого в нём нет, пока оно не становится единственным содержанием работы.
Полезно подражать сразу нескольким. Один образец даёт копию, три образца дают смесь, а смесь уже никому не принадлежит. Это самый быстрый путь к своему.
Хорошо работает и такой приём: возьмите приём одного художника и примените к сюжету, который тот никогда не писал. Несовпадение сразу даёт что-то новое.
Что стоит помнить: подражают решениям, а не работам. Копировать композицию целиком и выдавать за своё нечестно, а взять способ разложения тени на цветные рефлексы — нормальная профессиональная практика.
И признак, что подражание пора заканчивать: вам становится неудобно повторять образец. Значит, у руки уже есть свои предпочтения, и им стоит дать волю.
Как выбрать свои сюжеты
Не выбирать, а заметить. Свои сюжеты обычно уже есть, просто им не придают значения.
Простое упражнение: посмотрите последние сто фотографий в телефоне. Что вы снимаете, когда никто не просит? Свет на стене, воду, окна, спину собаки, тени от деревьев. Это и есть ваш список сюжетов, и он вернее любого придуманного.
Второе: вспомните, что вы разглядываете дольше всего в чужих работах. Не что нравится в целом, а на чём взгляд задерживается. Обычно это то же самое.
Третье, практическое: узкая тема даёт больше, чем широкая. «Пейзаж» это не тема, а «окна старых домов» или «вода в городе» — тема. Узкий круг заставляет искать разнообразие внутри, и там и появляется своё.
Не отбрасывайте сюжет, который кажется банальным. Вопрос не в том, что рисовать, а в том, как. Тысячу раз написанный подсолнух не мешает написать его в тысячу первый. Свой первый можно написать по уроку как нарисовать подсолнух красками.
И ещё одно наблюдение про сюжеты. Часто своё оказывается не предметом, а состоянием: раннее утро, пустая улица, свет через занавеску. Такие темы сложнее назвать словом, зато именно они дают самую устойчивую узнаваемость, потому что предмет может меняться, а состояние остаётся тем же.
Как собрать свою палитру
Через ограничение. Полный набор из двадцати четырёх красок не даёт палитре сложиться: каждый раз выбирается то, что подходит к сюжету, и единства не возникает.
Работающий приём: взять три-четыре краски плюс белила и написать серию. Например, ультрамарин, охра, красный и белила. Всё разнообразие получается замесами, и работы автоматически станут родственными.
Второе: обратите внимание, каких цветов вы избегаете. Это не менее важно, чем то, что вы любите. Отказ от чистого зелёного или от чёрного заметен зрителю сразу.
Третье: определитесь с общим ключом. Светлая работа с узкими тенями и тёмная работа со светлым пятном это два разных подхода, и большинство художников устойчиво держится одного.
Если вы пока не умеете получать нужный оттенок ограниченным набором, полезно разобрать основы: у нас есть разбор смешивания красок и теория цвета без лишней теории.
Как найти свой мазок
Мазок это самая физическая часть стиля, и она сильнее всего зависит от того, как вам удобно двигать рукой.
Практическое упражнение на один вечер: возьмите один и тот же простой сюжет и напишите его пять раз разными инструментами. Мягкой кистью, щетиной, мастихином, тряпкой, пальцем. Один из вариантов почти всегда пойдёт заметно легче остальных.
То, что пошло легче, и есть направление. Это не значит, что нужно навсегда остаться с мастихином, но именно там рука работает без сопротивления, и оттуда обычно растёт узнаваемая манера.
Второй параметр — размер движения. Кто-то пишет от локтя длинными мазками, кто-то короткими из кисти. Это довольно устойчивая особенность, и её проще принять, чем переучить.
Третий — толщина краски. Прозрачные слои и густая паста дают совершенно разный результат из одного тюбика. Про густой вариант у нас есть разбор техники импасто, про прозрачный — разбор лессировки.
Четвёртый параметр, о котором почти не говорят: сколько раз вы возвращаетесь к одному месту. Одни кладут мазок и оставляют его навсегда, другие проходят по одному участку по пять раз. Первый способ даёт свежесть, второй глубину, и оба узнаваемы с расстояния.
Почему стиль виден в композиции
Потому что композиционные привычки складываются раньше всего и почти не осознаются.
Посмотрите свои работы и проверьте несколько вещей. Где обычно проходит горизонт: высоко, низко, посередине. Сколько пустого места вы оставляете. Режете ли вы объект краем или всегда даёте его целиком.
Эти ответы устойчивее, чем кажется. Человек, который любит крупный кадр и обрезанный объект, будет делать так и в пейзаже, и в портрете, и в натюрморте.
Композиция же и решает, узнаётся работа издалека или нет. Мазок и цвет видны вблизи, а схема пятен читается через всю комнату.
Если композиционные решения кажутся вам случайными, полезно разобрать их системно: у нас есть отдельный разбор композиции, и после него собственные привычки становятся заметнее.
Влияет ли материал на стиль
Влияет, и сильнее, чем принято думать. Материал задаёт скорость работы, а скорость задаёт степень обобщения.
| Материал | Что он навязывает | Кому подходит |
|---|---|---|
| Акварель | решения с первого раза, лёгкость | тем, кто любит недосказанность |
| Акрил | быстрое высыхание, слои | тем, кто правит по ходу |
| Масло | долгую сырую стадию, мягкие переходы | тем, кто работает медленно |
| Пастель | цвет сразу, без замесов | тем, кто мыслит пятном |
| Графика | линию и тон, без цвета | тем, у кого сильна форма |
Отсюда простой вывод: если работа идёт тяжело, дело может быть не в руках, а в материале. Смена акварели на акрил иногда решает задачу, которую полгода не удавалось решить упражнениями.
Но менять материал стоит осознанно и надолго, а не каждую неделю. Год в одном материале даёт больше, чем год в пяти по очереди.
Это мы с дочкой в мастерской. Рисование — про радость, а не про сложность. Приходите за ней и вы.
Арон ОнореЗачем работать сериями
Потому что серия — самый быстрый способ проявить своё. В одиночной работе всё выглядит случайным, а в серии из десяти повторы становятся очевидны.
Как устроена рабочая серия: одна тема, одна палитра, один формат, пять или десять работ подряд. Ограничения жёсткие, и это принципиально: разнообразие мешает увидеть закономерность.
Внутри серии работы не улучшают и не переделывают. Каждую заканчивают и берутся за следующую. Сравнение важнее исправления.
Второй эффект серии: она снимает вопрос «что рисовать». Тема выбрана заранее, и вечер начинается сразу с работы, а не с выбора.
Третий: серия хорошо выглядит вместе. Даже средние по отдельности работы, повешенные рядом, читаются как высказывание, и это заметно и на выставке, и в ленте.
Как увидеть своё со стороны
Изнутри свои решения кажутся единственно возможными, поэтому нужен способ посмотреть чужими глазами.
Самый простой: раскладка. Положите двадцать работ на пол или на стол и отойдите. Ищите не лучшую, а то, что повторяется во всех: цвет, тип мазка, расположение главного пятна.
Второй способ: перевести фотографии работ в чёрно-белое и посмотреть их мелкими. Останутся только тональные схемы, и станет видно, одинаково ли вы их строите.
Третий: спросить у постороннего человека, который не рисует. Формулировка вопроса важна: не «нравится ли», а «что у этих работ общего». Ответы обычно неожиданные и точные.
Четвёртый: посмотреть свои работы годовой давности. Через год они выглядят почти чужими, и повторы в них заметны так, как никогда не заметны в свежих.
Пятый способ подходит тем, кто выкладывает работы в сеть. Соберите на одном экране двенадцать последних постов подряд и посмотрите на них как на чужую ленту. Общий цветовой строй и повторяющиеся композиции видны в таком виде мгновенно, потому что взгляд скользит и цепляется только за крупное.
Сколько чужого нужно посмотреть
Много, но не бессистемно. Просмотр лент даёт ощущение насмотренности и почти не даёт решений, потому что внимание не задерживается.
Работает другое: смотреть меньше и разбирать. Одна работа, разобранная по схеме «что за композиция, откуда свет, как написан кусок», даёт больше, чем сотня пролистанных.
Полезно смотреть и то, что не нравится. Отторжение говорит о ваших предпочтениях не меньше, чем восторг, и часто точнее.
И стоит помнить про побочный эффект: если смотреть только одного автора, работы начинают его повторять. Смесь из нескольких безопаснее. Как набирать насмотренность системно, разобрано у нас в отдельной статье.
Можно ли менять стиль
Можно, и это нормальный ход вещей. Стиль не приговор, а срез того, как вы работаете сейчас.
У большинства художников за жизнь бывает несколько заметно разных периодов, и переходы между ними обычно связаны с новой темой, новым материалом или изменившимися обстоятельствами.
Что стоит понимать: смена стиля не отменяет предыдущий. Ранние работы не становятся хуже оттого, что теперь вы пишете иначе.
Опасен только один сценарий: менять манеру, не доводя ни одну до состояния, когда в ней появляются повторы. Тогда получается не смена стиля, а его отсутствие.
Разумная мера — год или крупная серия в одной манере, прежде чем переходить к следующей. За это время становится понятно, что именно вы из неё берёте дальше.
Нужен ли стиль, чтобы продавать картины
Для продажи узнаваемость помогает, и это единственная практическая причина заниматься стилем всерьёз.
Работает это так: покупатель, увидевший вашу работу второй раз и узнавший её, воспринимает её иначе, чем незнакомую. Узнавание работает и в галерее, и в ленте.
Второе: серия продаётся лучше разрозненных работ. Десять родственных вещей выглядят как высказывание, а десять разных — как набор проб.
Третье, и об этом говорят реже: стиль облегчает разговор о цене. Когда работы узнаваемы, их сравнивают с вашими же предыдущими, а не с чужими, и цена перестаёт обсуждаться каждый раз заново. Практическая сторона разобрана у нас в статье о цене на картины.
И оборотная сторона: стиль, превратившийся в обязательство, начинает мешать. Это известная ловушка, когда автор повторяет удачную серию годами и перестаёт работать. Разумно держать часть работ вне серии, просто для себя.
Нужен ли стиль тому, кто рисует для себя
Не обязательно. Если рисование для вас отдых, поиск стиля превращает его в задачу, а задача убивает отдых.
Тем не менее одна вещь полезна и здесь: серия. Не ради узнаваемости, а потому что не надо каждый раз выбирать сюжет и решать, что делать. Начинать вечер сразу с работы приятнее, чем с выбора.
И вторая: раскладка своих работ раз в полгода. Даже если вы не собираетесь ничего никому показывать, увидеть, что у вас получается своё, отдельно приятно.
А вот чего точно не стоит делать: сравнивать свои работы с чужими в ленте и делать из этого выводы о своём стиле. Там показывают отобранное лучшее, и сравнение всегда будет неравным. О том, зачем вообще рисовать без цели, у нас есть отдельный разбор.
Нужно ли называть свой стиль
Для работы не нужно. Название требуется только тогда, когда о работах надо говорить: на выставке, в описании, в разговоре с покупателем.
И тут стоит различать два разных названия. Первое — принадлежность к направлению: реализм, импрессионизм, абстракция. Оно даёт зрителю грубый ориентир и почти ничего не говорит о вас лично.
Второе — описание собственных решений своими словами: «городские окна в приглушённой палитре, крупный мазок мастихином». Такое описание точнее и полезнее, потому что по нему работу можно узнать.
Составить его несложно. Возьмите три повтора, которые вы нашли в раскладке, и соедините в одну фразу. Если фраза получается длинной и запутанной, значит, повторов пока слишком мало или они слишком общие.
Чего делать не стоит: придумывать название стиля до того, как появились работы. Такое имя потом надо защищать, и оно начинает диктовать решения вместо того, чтобы их описывать.
Как вести записи о своих решениях
Память о собственной работе обманчива: через месяц кажется, что вы всегда делали так, хотя решение было принято случайно и один раз.
Помогает простая привычка: после каждой законченной работы записывать одну строку. Что было ограничением, какие краски использовались, что получилось лучше всего, что не вышло.
Через двадцать работ такой список читается как отчёт о собственном стиле. В нём сразу видно, какие приёмы возвращаются, а какие были пробой на один раз.
Второй вид записи — фотографии работ в одной папке, снятые одинаково. Не для публикации, а чтобы можно было посмотреть их подряд мелкими. Разноформатные и по-разному снятые кадры для этой задачи не годятся.
И третий, самый полезный: отмечать те работы, которые шли легко. Не те, что вышли удачно, а именно те, где не было сопротивления. Почти всегда именно они и оказываются самыми своими.
Сколько времени занимает поиск
Считать в месяцах бессмысленно, потому что всё зависит от количества законченных работ, а не от календаря.
Разумный ориентир такой. Первые повторы становятся заметны примерно на двадцатой работе. Устойчивая манера, которую узнают другие, обычно складывается работ через сто. Дальше она продолжает меняться, но уже медленно.
Ускорить это можно только одним способом: работать сериями и заканчивать работы. Незаконченные не считаются, потому что в них не видно решений.
Что не ускоряет: чтение о стиле, разглядывание чужих работ без разбора и ожидание вдохновения. Всё это может быть приятным, но повторов не создаёт. Откуда брать идеи вместо ожидания, разобрано в статье где искать вдохновение художнику.
И полезное наблюдение напоследок: у большинства стиль оказывается заметен окружающим раньше, чем самому автору. Если вам говорят, что работы узнаваемы, а вы этого не видите, скорее всего, правы окружающие.
Что делать дальше: от повторов к своему языку
Когда повторы найдены и названы, с ними можно работать сознательно, и это следующий уровень задачи.
Первый шаг: подчеркнуть то, что уже повторяется. Если у вас всегда тёмный низ и светлый верх, сделайте это резче в следующей серии и посмотрите, что получится.
Второй: убрать лишнее. Обычно в работах есть решения, которые вы делаете по привычке, а не потому, что они нужны. Отказ от них делает работу собраннее.
Третий: проверить на другом сюжете. Настоящий стиль переносится: если ваши приёмы работают и в пейзаже, и в натюрморте, значит, они действительно ваши, а не свойство одной темы.
И самое практичное: не откладывать это до момента, когда «научусь рисовать». Стиль складывается по ходу, а не после. Если пока не хватает базы, полезно параллельно закрывать её: у нас есть разбор с чего начать и как добиться похожести.
Стиль ищут где угодно, кроме того места, где он лежит: в собственных законченных работах. Поэтому вместо поисков сделайте серию. Одна тема, три краски, один формат, десять работ подряд, и ни одну не переделывать. Потом разложите их на полу и найдите то, что повторяется во всех десяти. Это и будет ваш стиль на сегодня. Он изменится, и это нормально, но у вас уже будет от чего отталкиваться.
Художник-гиперреалист, создатель технологии «Реалистичное искусство» — тех самых шести шагов, по которым рисуют все ученики академии. Более 6000 м² росписей, около 3000 учеников с 2018 года, 92% из них начинали с нуля. Первые шаги показывает бесплатно — на марафоне. Об Ароне
Канал в MAXЧастые вопросы
Как найти свой стиль в рисовании?
Не искать отдельно, а сделать серию: одна тема, ограниченная палитра, один формат, десять работ подряд. Потом разложить их рядом и найти то, что повторяется во всех. Повторы и есть стиль.
Из чего складывается стиль художника?
Из четырёх вещей: что вы выбираете рисовать, какая у вас палитра и каких цветов вы избегаете, как физически лежит мазок и как вы строите кадр. Пятое, менее заметное, — степень завершённости работы.
Когда появляется свой стиль?
Обычно после двух-трёх десятков законченных работ, сделанных в сопоставимых условиях. Считать стоит работы, а не время: двадцать этюдов за месяц дают больше, чем пять за год.
Можно ли подражать другим художникам?
Можно и полезно, особенно если подражать сразу нескольким: смесь из трёх образцов уже никому не принадлежит. Подражают решениям, а не работам, и копию всегда подписывают как копию.
Почему стиль не появляется?
Чаще всего из-за смены техники каждую неделю: ни одна манера не успевает стать привычной, и повторам неоткуда взяться. Второй частый случай это работать только копиями, третий — ждать озарения и не работать вовсе.
Как понять, что у меня есть стиль?
По раскладке: положите двадцать работ рядом и посмотрите, что повторяется во всех. Ещё точнее ответит посторонний человек на вопрос не «нравится ли», а «что у этих работ общего».
Влияет ли материал на стиль?
Влияет: материал задаёт скорость работы, а скорость задаёт степень обобщения. Акварель заставляет решать с первого раза, масло позволяет долго править. Менять материал стоит надолго, а не каждую неделю.
Можно ли поменять свой стиль?
Можно, и у большинства художников за жизнь бывает несколько разных периодов. Плохо только менять манеру, не доводя ни одну до состояния, когда в ней появляются повторы.
Нужен ли стиль, чтобы продавать картины?
Узнаваемость помогает: покупатель иначе воспринимает работу, которую узнал. Серия из десяти родственных вещей продаётся лучше десяти разных. Но стиль, превратившийся в обязательство, начинает мешать.
Нужен ли стиль тому, кто рисует для себя?
Не обязательно. Если рисование это отдых, поиск стиля превращает его в задачу. Полезной остаётся только работа сериями: не надо каждый раз выбирать сюжет.
Читайте также
